«Музей жестокости»

2 июня открылась выставка «RIVA DEGLI SCHIAVI.2021» (Набережная рабов) петербургского художника Шишкина-Хокусая в галерее Marina Gisich

Прообраз действующей выставки был представлен на Венецианской биеннале в 2019 году. Работы, представленные в Венеции, были возвращены на родину и теперь доступны для зрителей на выставке «Набережная рабов», дополненные новыми произведениями автора. Экспозиция занимает оба пространства галереи, и включает в себя световую и музыкальную инсталляцию, а также цифровые работы художника. Название выставки отсылает к проблеме рабства.  Шишкин-Хокусай является и театральным декоратором, поэтому особое внимание нужно уделить визуальному аспекту выставки.

Цикл картин, созданных для биеннале, называется «Фламандская школа». Ее представителями являлись живописцы первой половины 17 века, с центром в Антверпене, среди известных: Рубенс, Йорданс, ван Дейк, Брейгель. Художественным направлением, в рамках которого творили живописцы, было барокко. Шишкин-Хокусай используют картину «Новый рынок в Амстердаме» Хелста, «Рыбная лавка» Снейдерса, «Бобовый король» Йорданса и «Отцелюбие римлянки» Рубенса, создавая первый слой картины. У всех произведений есть общий мотив – мотив привязанности к плотским удовольствиям, который воплощен в образе богатого натюрморта или запечатленного празднования. Так художники 17 века напоминали зрителям, что материальные блага не будут с ними вечно. Шишкин-Хокусай перерабатывает смыслы, которые были важны для «Фламандской школы», добавляя новые – собственные интерпретации. Он вводит на эти картины маленькие плоские фанерные фигурки, напоминающие наброски, что говорит о вечности идеи «mеmento mori».  

В первом пространстве галереи расположены фигуры связанных темнокожих людей. Синие тела перевязаны нарисованными веревками, в такой же технике, как и фанерные фигурки. Серией этих скульптур поднимается вопрос о положении «живых машин». Синие портретные образы темнокожих девушек-моделей из Юго-Восточной Азии и Африки и юношей размером с человеческий рост находятся и во втором помещении галереи. Переместимся туда. Глазам представляется механическая машина со схематичным изображением человека с темной тканью на голове, который ничего не видит, но стремится что-то углядеть в прыжке. Эта инсталляция также была представлена на Венецианской биеннале.

В павильоне России были показаны и работы режиссёра Александра Сокурова. Он работал с картиной Рембрандта «Возвращение блудного сына», тоже в постмодернистской технике. Но в отличии от Шишкина-Хокусая, Сокуров был показан в Главном штабе Эрмитажа, для его работ была создана выставка под названием «А.Н. Сокуров. Посвящение Рембранту». А Шишкин-Хокусай продолжал размышлять над таким влиятельным институтом как Эрмитаж. Его размышления воплощены в музыкально-световой инсталляции. «Живые машины» — это толпа зрителей, которая старается прыгнуть, чтобы увидеть шедевры, прикоснуться к произведениям искусства, но по-прежнему ничего не видит.   

Особым символом в творчестве художника является обрамление – многослойные, объемные рамы, на которых вверху изображаются фанерные фигурки, которые воплощают в себе надзор за публичным пространством.  Такие обрамления становятся рамами не только реальных картин, но и 3D-видео. Все это вновь нас отсылает к идее «живых машин», которыми становятся не только люди, но и произведения искусства. Таким образом Шишки-Хокусай поднимет не столько проблему экзотизации или проблему деколонизации музеев, сколько проблему освобождения либо произведения искусства, либо зрителей от технического автоматизма.

Материал подготовила И.С. Дементьева

Доссале невиданное: «Искусство средневековья. Шедевры из Национальной галереи Умбрии»

С 19 мая в Николаевском зале Зимнего дворца начинает свою работу выставка «Искусство средневековья. Шедевры из Национальной галереи Умбрии», посвящённая искусству Средневековья XIII – начала XV века. Около 40 произведений живописи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства иллюстрируют развитие художественных школ Центральной Италии.

Католичество для нашей страны является чем-то экзотическим, так как христианство исторически представлено в первую очередь православием. Приходя в католические храмы или попросту смотря на фреску «Сотворение Адама» в Интернете, мы диву даёмся какое же удивительное искусство кроется по ту сторону христианства.

Государственный Эрмитаж, совместно с Национальной галереей Умбрии, в рамках новой временной выставки позволяет познакомится с тем, что предшествовало Микеланджело, Боттичелли, да и да Винчи. Произведения XIII – начала XV века были впервые привезены из галереи в Перуджи в связи с ремонтом музея.

То, что мы называем «Средневековьем», в рамках истории развития культуры Италии принято называть «Проторенессансом». На выставке можно познакомится с первыми изображениями жития и деяний св. Франциска Ассизского, с которого и начался перелом в католическом искусстве. Пройдя через секции зала вы совершите путешествия сквозь Чёрную смерть практически до Ренессанса.

Религиозные сюжеты на сохранившихся «доссале» (передняя часть алтаря), фресках, иконах позволяют познакомится с малоизвестными художниками проторенессанса: Арнольфо ди Камбио или Джентиле да Фабриано. Единственная нерелигиозная вещь на выставке – «Жемельон с галантными сценами».

Современный зритель становится всё более далёким от религии, теряя возможность постичь всю смысловую нагрузку и художественные достоинства религиозного искусства проторенессанса. Хочется надеяться, что эта выставка Государственного Эрмитажа поможет большему количеству людей перенестись сквозь 700 лет истории и оценить духовность и красоту итальянского искусства. 

Материал подготовил О.О. Усов

По одёжке встречают: «Православные церковные облачения XVII – начала XX века в собрании Эрмитажа»

5 мая 2021 года в Государственном Эрмитаже открывается выставка «Православные церковные облачения XVII– начала XX века в собрании Эрмитажа», впервые представляющая коллекцию богослужебных одежд из собрания музея. Выставка проходит в новом зале, открываемом после реставрации – Малая церковь Зимнего дворца (Малая церковь во имя Сретения Господня).

Что такое «искусство»? Странный вопрос на первый взгляд. Первые ассоциации: живописные картины, монументальная архитектура, изумительные скульптуры… Даже не углубляясь в тему, как-то непривычно называть одежду искусством, ежели речь не про моду. Тем не менее, данной выставке есть чем зацепить каждого неискушённого посетителя Эрмитажа.

Церковные облачения имеют древнюю историю, начинаемую ещё во времена Христа, а также богатое символическое значение. Например, каждая высшая степень церковной иерархии сочетает в себе священные одежды из более низших степеней, так выражается сохранение прав и преимуществ за высшими титулами. Ровно также каждый элемент облачения имеет свою символическую смысловую нагрузку.

Православные церковные облачения – самостоятельная и обособленная группа памятников в собрании Эрмитажа. Отражая традиции русского православия, священные одежды не были подвержены моде, сохраняя канонические черты на протяжении веков. Шёлк, металлическая нить, бархат, золотая нить, перламутр, серебро, жемчуг – «богатство» одеяний зависело не столько от церковной иерархии, сколько от пожертвований прихода. В связи с обветшалостью облачения перешивались, таким образом в них добавлялись новые ткани и элементы. Некоторые священные облачения и вовсе как картины, где в деталях виден размах художника.

Каждая священная одежда – отдельное произведение искусства, созданное очень изысканным образом. Лишь во второй половине XIX века появилась отдельная отрасль церковных тканей и лишь после этого они приобретают некоторую всё ещё очень условную унификацию.

Также стоит сказать пару слов и про музейное пространство выставки – Малую церковь Зимнего дворца. Данное место имеет богатую историю в виде императоров и императриц, которые приложили руку к созданию Малой церкви во имя Сретения Господня. Увы, но после революции данное помещение было изрядно разобрано и закрашено. Реставрация помещения была закончена в 2019 году, отдельным произведением является восстановленный художниками-реставраторами плафон «Сошествие Святого Духа на апостолов», написанного Н.А. Майковым.

«Поприсутствовать» на открытии и пройти небольшую экскурсию по новому залу Эрмитажа можно здесь.

Материал подготовил О.О. Усов
Фотоматериал Ю.Д. Краюшкиной

Выставка «Николай Рерих. В поисках Шамбалы» в Русском музее

Остался месяц, чтобы совместно с Николаем Рерихом отправиться в Корпус Бенуа на поиски города, в котором царит любовь и справедливость.

Сразу при входе глазам открывается большое синее пространство, в которое вписаны огромные, во всю стену полотна. Тут и Илья Муромец, и Соловей-Разбойник, и Баян, и Вольга и Микула Селянинович. Все славянские персонажи будто вступают в диалог на стенах музея. Так, Илья Муромец целится в Соловья-Разбойника, стрела достигает цели, и вот Соловей Разбойник держится за глаз, в который попала стрела. Напротив — Микула и Вольга Селяниновичи, один — пахарь, другой — воин.Картины располагаются симметрично, а Баян наблюдает за всем «происходящим» из угла. Так получилось не случайно. Картины создавались специально для украшения дома Ф.Г. Бажанова.

Баян наблюдает еще за одним героем — Садко, который стоит на плывущей ладье. Полотно с персонажем былины располагается на имитированной стене, которая создает препятствие для просмотра экспозиции. Возможно, это своеобразные резкие изгибы реки, по которой зрителям нужно совершить «водное путешествие» по экспозиции.

Преодолев первое препятствие, мы наблюдаем не только продолжение общеславянских фольклорных мотивов, но и мотив движения по воде, это демонстрируют картины: «Заморские гости», «Иноземные гости», «Славяне на Днепре», на которых мы видим расписные ладьи, находящиеся в постоянном движении. Однако напротив — изображений идолов соседствует с изображением православных церквей.Возможно, кураторы выставки хотели показать преемственность культуры, языческие истоки, которые потом вплетаются в православие.

 Следующий зал, хоть и продолжает славянские фольклорные мотивы с изображением весны и снегурочки,всё же возвращает нас в реальный мир — мир театра. Кроме картин, Рерих создавал и декорации — зал посвящён этюдам к декорациям для различных пьес.  В качестве театрального художника он создавал картины для постановок «Пер Гюнт», «Князь Игорь», «Садко», «Царь Салтан», «Снегурочка», «Псковитянка» и других.

В следующем зале синий цвет разбавляется грязно-оранжевым, бурым и даже черным, что отражает смену настроения представленных картин. Тематика полотен в этом зале связана со стихиями и языческими верованиями славян, которые особое внимание уделяли явлениям природы, ставших основой для примет. Так, например, затмение, если вспоминать «Слово о полку Игореве», предупреждает об опасности, игнорирование которой влечет тяжелые последствия. На картине «Зловещие» изображены черные вороны, которые, как вестники, ожидают наступление темных времен. Стихии воздуха — ветру, посвящено несколько сюжетов: в «Велении неба» действующим лицом становятся грозные кучевые облака темно-бурого, золотисто-желтого цвета, вызывающие тревожные ощущения. В «Вестнике» небу уделяется, опять же, большая часть картины, облака изображены в виде птиц, но при виде корабельных мачт мы понимаем, что случилось несчастье.  

Но где же та обещанная чудесная страна? Теперь мы оказываемся в Гималаях – вокруг одни горы. Здесь всё те же искусственные стены могут ассоциироваться именно с горами, через которые мы пробираемся, чтобы посетить ту самую страну счастья. «Гималаи! <>Как широка и прекрасна эта обширная горная страна, крыша мира», — пишет Рерих в произведении «Гималаи».

Но, посетив Восточные земли изучив их культуру, религию, мы возвращаемся к идее национальной мощи. На картинах «Борис и Глеб» и «Поход Игоря» снова соединяются православные и языческие мотивы. В «Единоборстве Мстислава с Редедей» мы видим, что победа на стороне нашего воина, потому что солнце на его стороне.

Мы не можем узнать точное местонахождение Шамбалы: может, оно недосягаемо, а может — совсем рядом; однако чтобы это осознать, необходимо преодолеть длинный путь через реки и горы, ветры и затмения.

Материал подготовила И.С. Дементьева

8 апреля в галерее Marina Gisich открылась персональная выставка Кирилла Челушкина «Образ жизни»

Кирилл Челушкин – участник 2-ой Московской биеннале. Его работы находятся как в частных коллекциях, так и в музейных собраниях как России, так и Европы.

Выставка представляет собой набор графики из 11 картин, расположенных в двух залах. Тематически пространство не разделено. Первый и второй зал объединяет не только общее настроение графических изображений – темное, фантастическое, мрачное, с ощущением загрязненного воздуха на производстве, но и само пространство картин. Например, произведение  из первого зала под названием «Второй закон», где изображен завод, на котором строятся дирижабли, гармонирует с картиной «Наслаждался моментом и с энтузиазмом кидал кирпичи», где изображается заброшка с граффити на стене. Также залы объединяет и композиция картин, например, произведения «Человек, который познал пределы собственных возможностей» и «Человек, который серьезно рисковал здоровьем» крупным планом   изображают человека и в одинаковой позе. 

Картины очень крупные по размеру, это помогает ощутить то захламленное пространство с тяжелым воздухом, а крупные изображения людей оказывают незримое давление на зрителя. Такой эффект достигается с помощью графической техники, которая требует колоссальных усилий художника. Графит и большой размер произведений редко сочетаются в искусстве. «На холсте я работаю только по техническим причинам: бумага не выдерживает такого обращения и немедленно травмируется. В ход идут ножи и грубый наждак – в общем, бумага не подходит» — поясняет Кирилл.

Фантастичность, технологичность, индустриальность производства объединяются в серию «Про пространства», соединяясь с фантастичностью уже индивидуального образа, опасными условиями труда человека в серии «Образ жизни». Идея же выставки заключается в понимании образа жизни, который создается благодаря тому, чем мы вдохновляемся: легенды, мифы, истории. Человек может изучать прошлое по образам, которые были запечатлены художественно, и тогда о документальности и объективности говорить не приходится. Опосредованно, через художественную фиксацию события, которое, возможно, и не имело развития в реальности, создается другой мир, влияющий на образ жизни.

Так, например, дирижаблестроение, оно стало не востребовано в силу развивающего авиастроения. Этот мотив был широко распространен советскими авангардистами в эпоху СССР и продолжает существовать сейчас. Недавно в ЦВЗ «Манеж» прошла выставка южнокорейской художницы «Утопия спасенная». Ли Бул размышляла об утопии и проиллюстрировала свои мысли с помощью образа дирижабля. Она создала аэростат, подвешенный в воздухе, который отсылал к катастрофе 1937 года – падение «Гинденбурга».  Также на выставке были представлены картины со схожим мотивом кисти Василия Купцова, Якова Чернихова, Александра Лабаса, что доказывает влияние мифов, историй, которые сложились на основе событий, не имевших развития в действительности.

Но даже документальная съёмка — так же субъективна, как и художественные образы. Мы видим правду только победителя, то есть правду выжившего, и никогда правду жертвы, то есть умершего. Историю пишут победители.

Материал подготовила И.С. Дементьева

Сколько стульев видите: загадка от Ивана Плюща

18 марта в ЦСИ им. Курехина открылась выставка «После всего/ После всех. Часть 1. После стула» петербургского художника Ивана Плюща в соавторстве с нейронной сетью.

Выставка представляет собой гиперинсталяцию и включает в себя 30 живописных работ, 20 графических, 8 видео и 30 фотографий, скульптуру и инсталляцию. Тематически залы не разделены, но среди всех работ можно выделить семь серий: после стула, после меня, после тебя, после войны, после дома, после порно, после религии. В исполнении задумки Ивану помогала нейросеть, которая обобщала предложенный художником набор изображений объекта: самого художника, дома, женского образа и других, и создавала собственное видение этого объекта. А уже позже художник переводил цифровое изображение нейросети в живописное полотно, опять возвращая реальность в реальность.  

 Визуально образы, представленные на выставке, сложно идентифицировать – наиболее четкими остаются образы самого автора. Также угадывается женский образ. Образ дома остается неопознанным без названия картины.  Образ войны опознается с помощью таких ассоциаций как развалины, дым, красный цвет. Тематика порно наиболее ярко выражена в видео-формате и графике – изображению в форме птицы. Чаще всего в работах используется образ стула, он отсылает к знаменитой работе американского художника, основоположника концептуального искусства Джозефа Кошута.

В студенческие годы Кошут создает инсталляцию «Один и три стула», в которой размышляет над тем, что такое искусство – должно ли оно отражать действительность или кажимость этой действительности. Художник создает рефлексирующее искусство об искусстве. Объектом инсталляции выступает обычный стул: фотография стула, копия словарной статьи «стул» и сам стул.  По задумке автора инсталляции неизменными остаются только две вещи: схема инсталляции и словарная статья, сам стул и фотография должны меняться. И на вопрос “Что есть стул?”, можно сказать, что главное — не в какой форме представлен стул, а сама идея стула. Проводя аналогию: важно не то, как воплощена идея искусства, а какова эта идея. Другие его работы — «Лампа и три лампы», «Часы и пять часов», «Растения и три растения», «Одно и три зеркала», доказывают, что изображенные предметы могут не соответствовать реальности, например, нарисованная лампа может быть включена, а реальная выключена. Часы реальные и изображённые могут совпадать лишь два раза в сутки, а растения — в зависимости от того, сколько времени находятся в галерее.

Выставка Ивана Плюща – это первая часть исследования о медиальности, о диалоге между действительностью, таким медиа, как искусственный интеллект, и самим автором. Его работы — прямое продолжение размышлений Джозефа Кошута. Для обоих художников важно понимание реальности и ее репрезентация либо через искусственный интеллект, как у Ивана, либо через саму идею искусства, как у Джозефа. Если в первом случае реальность не совпадает с изображённым в силу того, что искусственный интеллект не в состоянии постигнуть чувственную сферу, то во втором – реальность не дублирует изображённое, потому что идея важнее, чем форма.  

Иван Плющ понимает искусственный интеллект не только или не столько как медиа, а больше как напарника. «Я беру себе в напарники искусственный интеллект – нейронку, и собирая какое-то количество образов тех или иных, в зависимости от того, какой я хочу получить сет, отправляю их нейронке. После чего она вытаскивает образы, которые видит, и мы получаем первую стадию эскизов от искусственного интеллекта. После чего я работаю с этими эскизами и в зависимости от истории, которая находится в этом блоке, — переделываю. Мне интересно работать с искусственным интеллектом как с соавтором. Когда я собираю материал для нейронки, я беру достаточно похожие образы и иногда вбрасываю совершенно другие, и я уже получаю иной результат, понимаю, как работать с материалом потом – это пришло уже с опытом», поделился Иван Плющ в интервью

Alviter Art.

Лампа и три лампы

Один и три стула

Часы и пять часов

Главная инсталляция находится в самом последнем зале. Рядом две картины: одна – «После всех», другая — «После всего». Какой сет обрабатывала нейросеть остается загадкой.

Материал подготовила И.С. Дементьева

Золото в женском образе


19.02.21 – 21.03.21
Место проведения: Музей-квартира А. А. Блока
Время проведения: с 11:00
Вход: 150 руб.


В музее-квартире Александра Блока, в небольшом зале открылась выставка под названием «Нежный цвет» петербургской художницы Натальи Быковой, приуроченная празднику 8 марта и наступлению весны. Выставка расположилась в филиале Государственного музея истории Санкт-Петербурга — в музее-квартире А. А. Блока.

В маленьком зале на первом этаже появился уголок весеннего настроения. «Кроме основной работы литературного музея, у нас активная выставочная детальность, обычно музей представляет свои фонды, и такие выставки у нас длятся полгода и относятся к тематике музея. Но если говорим об этом зале, то его мы предоставляем нашим петербургским художникам. Здесь — выставки постоянно сменяются. Открыты они приблизительно месяц. И содержание экспозиций может быть более свободным», — сказала Наталья Буторина, специалист по экспозиционной и выставочной деятельности, куратор выставки.
Всего на выставке представлено семь картин, из которых пять — портреты и две – натюрморты. Автор произведений окончила Санкт-Петербургское художественное училище имени Н. К. Рериха (2000), Санкт-Петербургский академический институт живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е Репина. С 2014 года является членом Союза художников Санкт-Петербурга, с 2018 года – ассистентом кафедры живописи и рисунка Института дизайна костюма Санкт-Петербургского государственного университета технологии и дизайна. Наталья Быкова выступает в основном как портретист, изображает девушек. Женские образы для нее становятся источником вдохновения. Художница сама предложила создать выставку, приближающую всех к весне и лету. «В Санкт-Петербурге была прекрасная зима, но потихонечку ждем лета, весны пробуждения и хочется ярких красок, и солнечного настроение», — заметила куратор выставки. Все это: цветы, животные, насыщенные краски отражается в ярких женских образах на картинах художницы. «Женский образ благодатная почва для творчества», говорила сама портретистка. Символическим жестом становится и подбор материалов для творчества. Наталья Буторина поясняет, что художница использует в своих работах не просто холст и масло, но еще и золото. Сейчас этот материал не так дорог и поэтому есть возможность его использовать. В большей степени он несет символический смысл, так как художница кроме реставрации занималась еще и иконописью. Если углубиться в корни древнерусского искусства, то золото символизировало небесное и чистое начало, которое присутствовало в иконах. И конечно эта краска очень дорогая и в принципе по цене и в духовном плане: этот цвет нес сакральный смысл. Но символичны не только материалы для творчества, но и само место отсылает зрителей к сакральности происходящего, где церковная тема сочетается с образом Прекрасной Дамы в творчестве Александра Блока, так же как золото и женский образ в работах Натальи Быковой.

Вхожу я в темные храмы,
Совершаю бедный обряд. —
Там жду я Прекрасной Дамы
В мерцаньи красных лампад.
А. А. Блок

Материал подготовила И.С. Дементьева
Фото: © Пресс-служба ГМИ СПб

Венеция, в которой хочется потеряться


24.12.20 – 02.06.21
Место проведения: Особняк Румянцева
Время проведения: с 11:00 до 18:00, ср. выходной
Вход: до 300 рублей


В особняке Румянцева 25 декабря открылась выставка «Венеция вдали, как странный сон…». Сотрудникам удалось воссоздать уголок Венеции, который должен хотя бы отчасти заменить реальный город, поездка в который сейчас невозможна. Образ воды, ставший главным мотивом выставки, должен понравится петербуржцам.

Идея выставки представлялась создателям как метафора темного канала – знаковой дороги для путешественников и часто транспортного маршрута для жителей, и площади, на которую попадаешь после пути по каналу, площади, которая открывала больше света и пространства для созерцания как для путешественников, так и для горожан.

Выставка иллюстрируется цитатами из произведений русских литераторов: П.П. Муратова, В.В. Розанова, П.П. Перцова, В.Я. Брюсова, А.И. Герцена и многих других. А также стихотворениями А.А. Блока, А.А. Ахматовой, Б.Л. Пастернака. Иосиф Бродский сравнивал Венецию с двумя жареными рыбами на тарелке или сцепленными клешнями омара, а Пастернак — с размокшей баранкой.

Древняя карта Венеции приблизительно XVIII века

Здесь нельзя не вспомнить о Петербурге как северной Венеции. Именно Бродский сравнивал Венецию с Петербургом, хотя они многим отличаются друг от друга. Поэту на выставке посвящён отдельный зал. Серия фотографий, которая непрерывно, по кругу, воспроизводится на телеэкране, иллюстрирует виды Венеции и слова петербургского поэта. Именно здесь зарождается идея о сходстве Петербурга и Венеции в образе самого Бродского и его творчества. Зал Иосифа Бродского находится слева от центрального, где и начинается «устье канала», но концептуально с дизайнерской точки зрения не соединен с темой самого водного канала. Зал как бы находится, как и сам Бродский, отдельно, словно вытесненно.

 Но вернёмся в первый зал, посвящённый теме путешествия. С него и начинается выставка. С середины XVIII века русские путешественники, закончившие обучение, посещали зарубежье, так и появились представленные ныне на выставке гравюры, картины и фотографии.

 Также в зале находятся путеводители по городу и карта во всю стену, но в стиле всей выставки – малозаметная, нужно присматриваться. Первый путеводитель датируется 1815 годом авторства Джованни Антонио Маскини. Но самыми знаменитыми стали путеводители Джона Мюррея и Карла Бедекера.

Сейчас же путешествия невозможны. Заместитель директора по научной работе и развитию Государственного музея истории Санкт-Петербурга Сергей Эдуардович Калюжин отметил в этом актуальность выставки: «Мы открываем Венецию, но поехать туда мы не можем. Можно прийти в особняк Румянцева и прикоснуться к этому великому и прекрасному историческому городу. Силами нашего коллектива действительно удалось создать маленький уголочек Венеции, и можно будет посмотреть не только то, что сейчас существует в этом городе, но и что было, и как это было в начале XX века, в конце XIX века — здесь в особняке Румянцева». Эту идею поддержала и куратор выставки: «Когда мы не можем посетить настоящую Венецию, мы можем совершить умозрительное путешествие. Отправится в Венецию в своем воображении. Выставка построена по топографическому принципу, мы как бы будто действительно путешествуем по этому городу, по большому каналу».

Следующий зал посвещён структуре Венеции как общему пониманию города, его шести районов: Каннареджо, Сан Марко, Кастелло, Санта Кроче, Сан Поло и Дорсодуро, каждому из которых соответствуют фотографии. Они представляют наследие Музея Города, ещё созданного в октябре 1918 года в Аничковом дворце.

Музей Города ставил перед собой амбициозную задачу исследования истории градостроительства в целом и изучения принципов развития городского организма. Для этого коллекция пополнялась произведениями живописи и графики с видами городов, фотографиями, картами и планами, теоретическими трудами по архитектуре. В результате ряда реорганизаций в 1928–1933 годах музей изменил основное направление деятельности и стал заниматься только отражением строительства и благоустройства Ленинграда. Собранные коллекции по истории городов мира долгое время не были востребованы, однако в последние годы музей ведет специальную работу по их публикации и созданию тематических выставок, одной из которых стала выставка, посвященная Венеции.

На выставке показаны более 70 оригинальных фотографией середины XIX века: каналы, мосты, площади, панорамы с неожиданных ракурсов, которые позволяют очутиться прямо там, на месте съемки. Образ Венеции сформировался в основном из-за живописи и графики, которая представляет впечатление автора об увиденном. 

И вот путешествуя по этому зеркальному пространству – каналу, рассматривая виды Венеции, выплываешь, наконец, на площадь, в последний и главный зал. Он очень просторный и светлый, как раз подходящее место, чтобы остановится и насладиться красотой. Зал посвещён ансамблю площади Сан Марко, в который входит собор Святого Марка, кампанила, палаццо Дукале, Пьяцетта.

Выставка о Венеции — это уже третья выставка, которая воссоздает пространство города. В планах у работников музея показать еще и Лондон. «Два года назад, когда мы придумывали выставку, мы не думали, что она получит такую злободневность. Вспоминается не только Венеция, но и другие города. Пустые и совершенно прекрасные городов. Венеция в особняке Румянцева — та самая Венеция каналов и мостов, без рекламных баннеров и палящего солнца, в ней можно даже затеряться».

Материал подготовили О.О. Усов и И.С. Дементьева

Карбоновый отпечаток Рафаэля Санти


24.12.20 – 28.02.21
Место проведения: Государственный Эрмитаж, по маршруту №2 (Вход в сторону Церковной лестницы) по Главному музейному комплексу
Вход: 500 руб./бесплатно


С 23 декабря 2020 года в Государственном Эрмитаж работает выставка «Искусство фоторепродукции второй половины XIX века. Фотографии работ Рафаэля в собрании Государственного Эрмитажа». Музей отмечает 500-летие со дня смерти известного итальянского мастера Возрождения – Рафаэля Санти.

Выставка в два зала иллюстрирует собой развитие фоторепродукции работ Рафаэля. Необходимость фоторепродукции неудивительна – работы Рафаэля разбросаны по всему миру: Национальная галерея Лондона, музей Прадо в Мадриде, Лувр, Берлинская картинная галерея и конечно же Государственный Эрмитаж. Фоторепродукции картин Рафаэля в массовой печати быстро стали чем-то вроде ценных открыток, а небольшую фоторепродукцию «Мадонны в кресле» Лев Николаевич Толстой взял с собой, отправляясь на Крымскую войну.

Самым интересным экспонатом являются желатиновые стеклянные негативы, которые использовали в силу долговечности даже после изобретения целлулоидной роликовой плёнки. Выглядят очень мрачно и красиво, напоминая по своей текстуре голографические картинки из детства. Помимо этого, конечно, на выставке можно увидеть и сравнить между собой множество разных видов фоторепродукции.  Вашему взору будут представлены: желатиносеребрянные и колодионные эмульсии, карбоновая или альбуминовая печать, разные способы освещения и перспективы при съёмке, калотипия и литография, а также пигменты всяческих цветов и расцветок. Всё это будет очень интересно каждому, кто интересуется историей фотографии. На этот интерес и нацелена выставка.

Но после посещения экспозиции у современного человека должно быть останется незамысловатый вопрос: “Зачем?” Сейчас, в век цифровых технологий, когда почти каждый имеет в своём кармане и фотоаппарат с разрешением, способным передать реальность, и Интернет, как музей любого искусства. В чём же сейчас сакральный смысл искусства фоторепродукции?

На этот вопрос нам ответила куратор выставки – Ирина Олеговна Терентьева, научный сотрудник Отдела истории русской культуры Государственного Эрмитажа: “Это, конечно, сложный вопрос. Как раз одна из задач нашей выставки помочь современному зрителю понять в чём же заключается красота старых фотографий. Потому что они монохромные и для нас, избалованных высоким качеством фотографии, они кажутся совсем не интересными. Фотография сейчас стала для нас очень доступна, даже ребёнок может делать снимки; и даже неплохие. Наша выставка помогает задуматься о том, каким образом этот процесс происходил раньше, сколько усилий требовалось человеку для создания хорошего снимка. Даже сейчас, пользуясь нашими великолепными фотоаппаратами, при попытке снять произведение живописи в музее, вы столкнётесь с рядом трудностей: где-то блики, где-то темновато, искажение перспективы… Казалось бы, все возможности есть, но не получается качественной фотографии, не так это всё просто. А в XIX веке это было гораздо сложнее. Мы лишь можем поучиться такому терпению и увлечению своим делом, а также узнать много из истории развития ранней фотографии”.

Материал подготовил О.О. Усов

Выставка «Железный век. Европа без границ» в Эрмитаже


10.11.20 – 28.02.21
Место проведения: Главный музейный комплекс, Манеж Малого Эрмитажа
Вход: 500 руб./бесплатно


С 11 ноября 2020 по 28 февраля 2021 в Государственном эрмитаже работает выставка «Железный век. Европа без границ»
Это уже третья и вместе с тем заключительная выставка в серии «Европа без границ» посвященная I тысячелетию до нашей эры. Ранее были выставки «Эпоха Меровингов» (2007) посвященной раннему средневековью, и «Бронзовый век» (2013), представившей древности IV-I тысячелетия до н.э.
В Манеже Малого Эрмитажа представлены более 1600 экспонатов из археологических собраний Государственного эрмитажа, Государственного исторического музея, Государственного музея изобразительных искусств им А.С. Пушкина и Музея доистории и древней истории (Государственные музеи Берлина).
Выставка состоит из пяти крупных разделов. «Эпоха Гальштата. Культурный ландшафт в Южной и Центральной Европе», «Эпоха Латена. Мир кельтов», «Скифы и греки в Средиземном Причерноморье», «Народы между Европой и Азией», «Племена многолюдные и особые. Лесные культуры Восточной Европы»
Созданные в разных местах, сошедшиеся в археологических комплексах, разделенные судьбами и конфликтами, они соединились в одном месте, чтобы рассказать о себе и о тех, кто их создал и держал в руках. Оружие, украшение и утварь кельтской культуры, сокровища скифских степных курганов, античные памятники, известные клады, древности кобанской культуры Северного Кавказа и культур Восточной Европы.
«Железный век. Европа без границ» — это масштабный международный научный и выставочный проект, ставший очередным шагом в области сотрудничества между музеями России и Германии. Многие экспонаты будут показаны впервые, что делает эту выставку уникальным событием. Выставка призвана стать одним из ключевых событий этого года.

Фото: © Государственный Эрмитаж
Материал подготовлен Д.В. Филипченко